De Prisunic à Monoprix – deux marques liées par l’amour du beau

Jusqu’au 15 mai 2022, le Musée des Arts Décoratifs de la Ville de Paris célèbre l’histoire du design pour tous à travers une retrospective des deux plus grandes enseignes de distribution d’objets du quotidien : Prisunic et Monoprix.

Monoprix qui a fusionné avec Prisunic en 1997 s’est installé dans le paysage de notre quotidien comme une marque-repère, une marque qui adoucit les moeurs et nous fait du bien…

Comment une marque a-t-elle réussi à s’inscrire aussi agréablement dans notre psyché collective française ? Quel est ce “je-ne-sais-quoi” dont elle est garante et porteuse ? Subtilement, Prisunic et Monoprix ont oeuvré durant de longues années à cultiver et diffuser l’esprit du beau, une éthique de marque qu’ils ont toujours su préserver créant un pont rare et audacieux entre le monde de l’industrie et celui des arts. 

Retour en 3 points clé historiques sur ce qui fait l’unicité de l’ADN de marque de “Prisu” et de “Monop” – un ADN reflétant une certaine quête de “l’art de vivre” ou l’art de bien vivre. 

1. Allier l’utile à l’agréable 

1936, « Satisfaire tous les besoins courants à moindre prix.”, tel est le credo de Prisunic, “Prisu” comme on l’appelait, alors que la France du gouvernement socialiste de Léon Blum est marquée par l’arrivée des congés payés et de l’accès élargi aux loisirs. Il s’agit de vendre bon marché au plus grand nombre des articles standards de grande consommation et à prix unique (5 à 6 niveaux de prix) dans une ambiance agréable et favorisant la vente : vaste et bien agencé, paré de couleurs, sur fond musical, et dotant d’un “bar de dégustation”, le Prisunic séduit une clientèle exclusivement féminine qui trouve « à portée de main » l’utile et l’accessoire. 

Premier point clé : le “shopping” devient une expérience en soi. “Prisu” se place depuis la perspective du consommateur pour transformer l’acte d’achat en un moment de plaisir, de sociabilité, une promenade où le produit n’est plus seulement alimentaire mais devient aussi objet de convoitise, un objet qu’on peut manipuler sans pour autant l’acheter. Font leur apparition les objets à usage domestique, l’accessoire décoratif et ceux destinés au loisir. Prisunic invente un espace à rêver, à se projeter vers de nouveaux intérieurs et de nouvelles façons de vivre pour la ménagère française.

2. Mettre du beau là où ne l’attendait pas  

Dans les années 50 « Le beau au prix du laid » devient le slogan culte de la marque initié par Denise Fayolle, directrice du style et de la promotion chez Prisunic. L’enseigne impulse alors les premières collaborations avec des créateurs. S’y côtoient les grands noms du design et du graphisme parmi lesquels Terence Conran – fondateur des magasins Habitat et The Conran Shop – qui participe au tout premier catalogue de vente par correspondance en 1968 présentant mobilier, luminaire et vaisselle. “La beauté n’est pas une question d’argent, mais une règle de vie” affirme Sir Conran. 

Deuxième point clé :  introduire le sens du raffinement et du beau à l’intérieur des foyers. Prisunic s’adresse à une clientèle populaire sans élitisme ni barrière sociale. Le grand créateur doit pouvoir côtoyer chaque famille française.

“Je crois que le but que nous avons recherché était de mettre à la disposition du grand public des meubles véritablement contemporains, c’est-à-dire qui ont été dessinés par des créateurs contemporains, à des prix qui sont des prix de diffusion normale et non pas des prix de diffusion confidentielle comme c’est le cas de plusieurs de nos confrères” Francis Bruguiere, directeur du catalogue Prisunic, propos recueillis en 1971.

1968 le premier catalogue de vente par correspondance de mobilier et d’objets contemporains créé par Prisunic et son chef de service du catalogue Francis Bruguiere.

Maison Château Rouge, 2018

Collaboration avec Youssouf Fofana & Creative Handicrafts qui oeuvre en faveur des femmes des bidonville de Bombay. Une collection qui met à l’honneur les références stylistiques du continent Africain : le wax, l’indigo ou la vannerie. La collaboration est renouvelée en 2021 et cette fois-ci, c’est l’ensemble de la collection de mode et de déco qui est fabriquée en Afrique.

Maison Château Rouge, 2018

Collaboration avec Youssouf Fofana & Creative Handicrafts qui oeuvre en faveur des femmes des bidonville de Bombay. Une collection qui met à l’honneur les références stylistiques du continent Africain : le wax, l’indigo ou la vannerie. La collaboration est renouvelée en 2021 et cette fois-ci, c’est l’ensemble de la collection de mode et de déco qui est fabriquée en Afrique.

Karen Mabon, 2019

Illustratrice et designers écossaise, Karen Mabon imagine pour Monoprix un univers féerique composé d’animaux et personnages pittoresques.

Constance Guisset, 2017

Delicatesse et légereté caractérisent le travail de Constance Guisset. Diplômée de l’ENSCI en 2007, ses objets font partie de collections nationales comme la lampe Vertigo au CNAP ou la lampe Leviosa au Centre Pompidou).

 

Constance Guisset, 2017

Delicatesse et légereté caractérisent le travail de Constance Guisset. Diplômée de l’ENSCI en 2007, ses objets font partie de collections nationales comme la lampe Vertigo au CNAP ou la lampe Leviosa au Centre Pompidou).

India Mahdavi “Made in/by India” pour Monoprix, 2020

India Mahdavi, 2017, Xmas Summer

Une ode aux notes chaudes et parfumées des pays d’Orient qui réchauffent notre hiver européen. “Je puise mes inspirations dans mes souvenirs. Noël, à la maison c’était plus qu’une fête de famille, c’étaient les amis, les enfants, toutes générations et toutes cultures réunies. Ma mère avait un placard avec des cadeaux déjà prêts. C’était des gestes et des attentions pour chacun.” India Mahdavi.

The post De Prisunic à Monoprix – deux marques liées par l’amour du beau appeared first on Art of Shift.

The post L’intelligence émotionnelle appeared first on Art of Shift.

Le syndrome du coquelicot désigne la peur que nous avons d’avoir la « tête coupée » quand nous sortons du lot, peur qui nous conduit au conformisme. Nous préférons enfiler notre « cape d’invisibilité » pour ne pas faire de l’ombre aux autres, quitte à laisser nos talents en friche.

Auto-coaching 

Voici 3 façons de shifter votre état d’esprit :

1. Vous êtes unique !

Chacun d’entre nous a des forces et des talents qui lui sont propres et qui font sa singularité ! Si une personne n’a pas encore trouvé ses forces et ses talents, cela lui appartient. Osez affirmer ce qui vous rend unique sans culpabilité. Faisons la part des choses.

2. Stop aux jugements

Nous pouvons être conscients de l’impact du jugement des autres sur nous, des tensions ressenties lorsqu’elles se manifestent. Regardez simplement vos sources de stress face au jugement pour vous en détacher. Ne rien prendre personnellement.

3. Célébrez & Likez

Quand les autres réussissent, cela nous aide à nous améliorer et à sortir de notre zone de confort. Lorsqu’on remarque les points forts et les réussites des autres, on participe au changement en valorisant leur unicité. Alors montrez l’exemple en célébrant les réussites des autres pour initier ce mouvement avec votre entourage.

The post Le syndrome du Coquelicot appeared first on Art of Shift.

Je prends la plume ici pour vous partager mon enthousiasme pour Thierry Malandain, danseur, chorégraphe français et actuel directeur du Centre chorégraphique national de Biarritz.

Thierry Malandain incarne pour moi la réconciliation entre des opposés et la recherche d’harmonie.

Son style chorégraphique est assumé comme néoclassique, avec des fondamentaux ancrés dans la tradition, la danse classique d’une part et une grande liberté dans l’exploration des mouvements contemporains d’autre part. De cette alliance entre la tradition et le contemporain, il tire une œuvre singulière dont il ne cesse de revisiter le sens.

Pour réussir cette prouesse, la musique et le son initient son mouvement.

Il dit lui-même « La musique est le ferment de la création ». Si chaque musique a un univers, et sur cet univers est calqué un style chorégraphique, Thierry Malandain porte une intention, celle de se décaler de l’évidence amenée par la musique, voire de dérouter.

Cette manière de concevoir son métier de créateur est marquée du sceau de l’humilité : l’humilité de créer en partant d’autres artistes, d’autres disciplines, en cherchant à comprendre le sens donné par ses pairs à leur œuvre. De ce terreau ou humus fertile crée par l’espace du collectif naît la possibilité d’une danse nouvelle et libre. En se confrontant à des musiques diversifiées, souvent difficiles, voire impossibles à danser, il utilise l’énergie ressentie pour créer SON mouvement.

C’est une approche puriste du geste de création où le chorégraphe n’a pas besoin d’être à l’origine de la création.

Celui-ci est davantage passeur, facilitateur, catalyseur d’un mouvement qui naît de soi, ou plutôt de quelque chose, d’un lieu, plus grand que soi – un héritage, un savoir, un passé ancien inscrit quelque part dans la mémoire de nos cellules. Thierry Malandain se consacre à donner vie à une œuvre complète, belle et sacrée, au seul bénéfice du spectateur.

« Ma culture, ma génétique est celle de la danse classique et sans complexe, j’y demeure attaché. Car si je reconnais volontiers que certains de ses codes artistiques et sociaux sont d’un autre temps, comme l’ADN présent dans toutes les cellules vivantes, transmis de génération en génération, il renferme des informations nécessaires au fonctionnement et au développement de la compagnie qui me tient lieu d’organisme. L’information portée par l’ADN peut se modifier au fil du temps. Cela aboutit à la diversité des espèces, à l’évolution. C’est pourquoi ma danse est le support de variations. Classique pour les uns, contemporain pour les autres, héréditairement néoclassique, je suis tout simplement  en recherche d’une danse que j’aime. Une danse qui ne laisserait pas seulement la trace du plaisir, mais qui renouerait avec l’essence du sacré comme une réponse à la difficulté d’être.»

Si Malandain observe sa compagnie de danse comme un organisme vivant fait de milliards de cellules vivantes, portant une ADN messagère de plusieurs générations, qu’en est-il des entreprises ? De quoi sommes nous les passeurs et les dignes créateurs ? Qu’apportons-nous aux générations futures ? Est-il possible d’imaginer un élan qui puisse prendre son essor d’un travail collectif, en équipe, où les énergies réunies peuvent donner naissance à des futurs meilleurs, libres et riches de diversité, d’exploration, sans jamais oublier d’où nous venons ?

Pantchika Van Houtte

The post Thierry Malandain appeared first on Art of Shift.

Le théâtre forum est un dispositif d’intelligence collective visant à bénéficier du regard d’un groupe sur une situation de blocage relationnel et de repartir avec des options multiples pour en sortir. L’intention est de vivre sous forme de saynète la situation concernant le porteur du blocage, appelé « acteur » et de voir la mise en action des solutions par des membres du groupe appelés « spect-acteurs ». Ce débat théâtral permet à chaque participant de changer sa vision de la situation, d’expérimenter des changements, d’évaluer les risques et de comprendre les mécanismes comportementaux. 

Quel est l’objectif ?

« L’intention : redonner une dimension collective à des situations problématiques souvent intériorisées »

Le théâtre forum est une des techniques du théâtre de l’Opprimé, méthode théâtrale élaborée par le Brésilien Augusto Boal dans les années 1970. Né en 1931, Augusto Boal est dramaturge, écrivain, théoricien, metteur en scène. Il a inventé́ de multiples formes de théâtre qui furent d’abord une réponse à la répression politique qui s’abattait alors sur leBrésil, son pays d’origine.

Cette technique est fondée sur la conviction que le théâtre est un outil pouvant changer les choses et le monde ; elle vise à mettre en scène, pour leur redonner leur dimension collective, des situations problématiques ou conflictuelles qui sont le plus souvent intériorisées et vécues comme bloquées. Et c’est aux spect-acteurs, qui deviennent donc acteurs à leur tour, de monter sur scène pour imaginer une solution, ou essayer de remettre en cause le rapport de force qui leur est dévoilé. S’instaure alors un débat démocratique et participatif.

C’est ce dialogue ré instauré qui permet de sortir de la solitude face au problème, de reprendre confiance grâce au groupe pour se mettre en mouvement en ayant « shifté » de direction.

L’objectif de cette approche n’est pas de chercher « la » bonne solution, la recette miracle qui conviendrait à tous dans toutes situations. Il s’agit plutôt de développer sa capacité de présence & d’évaluation des émotions et sensations dans une situation stressante. Les effets de ses attitudes sur les autres et sur l’histoire sont expérimentés in vivo, sans risque pour soi, pour l’autre et pour la relation puisque ceci est du jeu. 

Quelles facultés développent les participants ? 

• leur capacité d’introspection qui permet de mettre en lumière, sans honte ni culpabilité, les pensées, émotions et sensations qui les traversent dans une relation tendue
• leur capacité d’écoute, d’empathie et de décentration qui consiste à mieux entendre et prendre en compte le ressenti et le point de vue des autres. 

Au-delà de la technique, c’est une transformation de l’attitude intérieure, du regard sur l’autre et sur soi-même qui est progressivement amenée. Cette approche se différencie du psychodrame par le fait que le coach ne cherche pas à travailler les raisons des blocages ou des représentations inadéquates mais seulement à les rendre conscientes. Les émotions qui émergent sont accueillies avec empathie et l’on évite d’aborder des situations trop douloureuses ou personnelles qui dépasseraient le cadre de travail.

« Le spec-acteur ne se cantonne pas à des propositions yakafokon »*

En quoi le théâtre forum contribue à la transformation individuelle et collective ?

• Le théâtre forum est une mise en œuvre de l’approche systémique : en changeant un personnage, un mot ou une attitude dans l’interaction, c’est l’ensemble du système qui est modifié́. 
• La réflexion s’appuie sur des situations concrètes. Le spect-acteur ne peut rester dans des valeurs intellectuelles (le respect, l’autonomie, …). Il ne se cantonne pas à des propositions « yakafokon » mais se risque à les incarner pour en évaluer, en collectif, les bénéfices et les risques.
• Le théâtre forum interpelle la personne dans sa globalité. On ne parle pas sur le sujet, on vit la problématique avec son corps, ses émotions et sa réflexion. En prenant conscience, dans l’action, de ses représentations, de ses peurs mais aussi de ses ressources, l’acteur et le spect-acteur apprennent à canaliser leur réactivité dans des situations de stress ou de conflit. Ils se donnent ainsi plus de chance d’incarner ses valeurs. 
• Le groupe est un point d’appui essentiel pour différencier faits observables et interprétations, émotions et besoins, et favoriser ainsi l’intelligence collective. 

Le théâtre forum est applicable à toute situation professionnelle dans laquelle la relation est en jeu pour dépasser un blocage ou une tension, performer et être bien ensemble : relation manager-collaborateur, relation client-fournisseur, relation avec ses pairs, relation avec son équipe.

* Témoignage manager AXA France

The post Théâtre Forum appeared first on Art of Shift.

The post 6 raisons qui prouvent que l’art nous fait du bien … appeared first on Art of Shift.

Sonia Delaunay (1885 – 1979) est une artiste et une designer ukrainienne, l’une des pionnières de l’art abstrait. Connue pour son utilisation audacieuse de couleurs dans des motifs géométriques abstraits, elle mène une démarche singulière et moderne.

“J’ai toujours tout changé autour de moi” cette phrase dite par Sonia Delaunay résume l’intégralité de sa carrière et le message transmis dans ses œuvres.

Elle s’installe à Paris en 1905, où les courants fauviste et le postimpressionniste inspirent ses premières peintures. Son premier mariage avec le galeriste Wilhelm Uhde en 1908 lui permet d’intégrer les cercles littéraires et artistiques influents. Beaucoup d’artistes viennent dîner chez eux, entre autres Pablo Picasso, Braque, Vlaminck, Derain, Kees Van Dongen. Elle y rencontre celui qui devient son deuxième époux en 1909 : Robert Delaunay (1885-1941).

De leur union nait l’Orphisme, expression inventée par le poète Guillaume Apollinaire lors de la publication de ses Méditations esthétiques en 1912 pour caractériser la peinture d’avant-garde. Apollinaire cite cinq peintres orphiques : Picasso, Delaunay, Léger, Picabia, Duchamp.

L’Orphisme se caractérise par un style abstrait basé sur le rythme, la couleur et la lumière. La référence au mythe d’Orphée signale que cette nouvelle forme de peinture prête à des analogies avec la musique et le rythme.

Ensemble ils développent également le simultanisme, un mouvement artistique reposant sur le pouvoir dynamique des contrastes de couleurs.

Grâce à Guillaume Apolinnaire, Sonia Delaunay rencontre Blaise Cendrars avec qui elle  compose le premier « livre simultané ».La Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France est un poème en prose de Blaise Cendrars accompagné d’illustrations de Sonia Delaunay. Le texte et l’image ne sont plus opposées comme dans les livre classiques mais sont étroitement imbriqués pour créer une émotion artistique nouvelle. C’est un poème-tableau de deux mètres de long, présenté sous forme livre accordéon. A travers cette œuvre hybride, Sonia Delaunay inaugure ses recherches sur les correspondances entre la couleur, le son, le mouvement et le rythme.

Pendant la première guerre mondiale, Sonia Delaunay est exilée en Espagne et ouvre à Madrid une maison de décoration et de mode, Casa Sonia, puis conçoit des costumes. Elle ouvre sa propre maison de couture en 1925 à son retour à Paris.

Sonia Delaunay connaît un profond renouvellement, à la fin des années 1960, dans un art abstrait intensément poétique. Sa créativité formelle et technique dépasse les frontières de peinture et s’exprime dans les arts appliqués – mosaïque, tapisserie, textile, … – en une union originale et singulière entre art et vie quotidienne.

Évoluant dans un milieu essentiellement masculin, Sonia Delaunay refusera toujours d’être perçue comme une « femme artiste ». Elle devra attendre la première rétrospective de son œuvre au Musée d’art Moderne de la ville de Paris en 1967 pour être enfin reconnue pour elle-même.

Que doit-on retenir de l’œuvre de Sonia Delaunay ? Peut-être s’agit-il plutôt de ne rien vouloir retenir ou prendre, mais de se laisser porter par l’œuvre elle-même et sa profusion de couleurs et de lumière. L’œuvre de Sonia Delaunay nous apprend à oser, à dépasser les frontières établies, casser les codes, pour explorer, combiner les pratiques et les genres, sans retenue et qu’en dira-t-on, donner une voix extérieure à sa petite musique intérieure, chacun selon son rythme et son mouvement.

The post Sonia Delaunay appeared first on Art of Shift.

« La Communication NonViolente est avant tout une intention, celle de créer une certaine qualité de connexion envers soi et envers autrui (…) »

La Communication NonViolente (CNV) est un processus de communication interpersonnel créé dans les années 1960 par le psychologue américain Marshall Rosenberg. Il vise avant tout, avec pragmatisme et efficacité, à créer des relations fondées sur l’empathie, la coopération, la résolution de conflits et le respect de soi et des autres. C’est une invitation à reconsidérer notre façon de nous exprimer, d’écouter et d’entrer en relation.

Marshall B. Rosenberg a longtemps défendu l’idée que la plus grande des violences dans la relation avec autrui est verbale et que cette violence, quelle que soit sa forme, est une expression tragique de nos besoins insatisfaits. Autrement dit, c’est parce que nous ne savons pas comprendre et formuler nos besoins, que ces derniers s’expriment de manière inappropriée. La CNV vise plus particulièrement à :

• Se reconnecter à soi, prendre conscience de ses émotions et ressentis et de ses besoins
• Développer son assertivité en apprenant à faire des demandes précises, concrètes et réalistes et à s’exprimer en évitant les jugements et les interprétations
• D’être plus authentique en prenant la responsabilité de ce que je veux, de ce que je pense et de ce que je ressens et en parlant en JE

Les 4 étapes de base pour revisiter une situation conflictuelle avec soi ou avec l’autre:

• Observation: Décrire la situation de façon neutre, sans jugement de valeur ni reproches.
• Sentiment: Prendre conscience de ce qui se passe en soi et qualifier ses émotions.
• Besoin: Identifier son/ses besoins insatisfait(s) pour initier une action y répondant.
• Demande à soi/à l’autre:  Adresser une demande à soi-même positive, concrète, réalisable (ou adresser une demande à l’autre positive, concrète, réalisable et négociable) en vue de nourrir son besoin insatisfait.

Nos astuces pour expérimenter la CNV :

• Comme le dialogue intérieur s’invite, nous avons choisi d’ajouter une étape intitulée « jugements et reproches » pour permettre au coaché d’accueillir librement toutes ses pensées, à tout moment faire un pas de côté, avant de continuer le processus.
• Pour une meilleure reconnexion à soi et à son corps, faciliter l’écoute des signaux physiques envoyés par ses émotions, nous recommandons de pratiquer debout et d’avancer physiquement d’une étape à l’autre.

The post Communication NonViolente appeared first on Art of Shift.

Edmond Rostand est un écrivain, dramaturge, poète et essayiste français né le 1er avril 1868 à Marseille.

En 1897, alors âgé de 29 ans, il accède à la renommée grâce à sa pièce intitulée « Cyrano de Bergerac » qui triomphe dès la première représentation au théâtre de la Porte-Saint-Martin à Paris.

Quelques années plus tard, en 1900, Edmond Rostand souffre pendant les répétitions de sa nouvelle pièce « l’Aiglon » – pièce consacrée à la vie tragique du fils de Napoléon Ier. Avec pourtant à l’affiche la grande Sarah Bernard, travestie dans le rôle principal de l’Aiglon, et Constant Coquelin – le créateur du personnage de Cyrano -, Edmond Rostand n’est pas satisfait du jeu des comédiens, se fatigue et finit par attraper une pleurésie. Au lendemain de la première, Edmond Rostand doit arrêter tout activité pour se faire soigner. Son médecin traitant lui recommande les soins d’un collègue installé à Cambo-les-Bains, petite commune du Pays Basque à quelques kilomètres de la frontière espagnole.

Il y loue pendant quelques mois une villa de convalescence et tombe alors amoureux du Pays Basque et de sa nature luxuriante. L’air frais et la pureté des eaux basques lui font grand bien. Lors d’une promenade, Rostand s’éprend d’un vaste terrain où coule le ruisseau Arraga – « eau qui coule sur les pierres », en français. Le poète au tempérament exalté décide d’acheter le terrain et l’aménage de 1903 à 1906 pour y faire construire sa propre villa : la villa Arnaga – Rostand prêtait aux deux r une sonorité trop dure et fit changer le r en n, tout simplement.

Cette demeure, Edmond Rostand l’a entièrement imaginée et conçue dans ses moindres détails.

Une maison de style traditionnel néo basque de 40 pièces, 600 mètres carrés et une façade de quatre niveaux ornés d’un jeu de colombages de couleur rouge « sang de boeuf » propres aux maisons basques.

Faire entrer la nature dans les pièces, ouvrir de grandes baies de tous côtés, dessiner des loggias, des balcons destinés à « prendre l’air », tel était le nouveau programme de l’architecture néo-basque dont s’inspire l’architecte français Albert Touraine commandité par Edmond Rostand pour bâtir sa demeure.

Mais la villa Arnaga tient sans doute sa féerie à ses deux jardins : un jardin à la française composé d’une magnifique pergola ouvrant sur d’immenses parterres de fleurs prolongés par plusieurs bassins, beauté de la géométrie parfaite, et un jardin à l’anglaise, véritable forêt à la végétation libre et épaisse.

Si le premier répond à l’excellence du poète, à sa maîtrise parfaite de l’alexandrin et à son goût du panache, le second fait écho à sa nature cachée, une nature profonde et tourmentée, éprise d’un idéal de bonheur libre et de fraternité. On devine que c’est également là, dans ce cadre de nature à l’abris des mondanités parisiennes, que son fils Jean Rostand, futur biologiste célèbre, y puise et nourrit son amour pour les sciences naturelles.

Sur une plaque au-dessus de la porte d’entrée sont gravés ces mots de Rostand :

« Toi qui viens partager notre lumière blonde
Et t’asseoir au festin des horizons changeants,
N’entre qu’avec ton cœur, n’apporte rien du monde
Et ne raconte pas ce que disent les gens. »

Edmond Rostand écrit dans sa villa pendant plusieurs années sa dernière pièce « Chantecler ». S’appuyant sur l’esprit des fabulistes, il décrit à travers des animaux de basse-cour les vices et les passions de la société parisienne. La critique se montre hostile aux idées émancipatrices de l’auteur et la pièce rencontre un maigre succès. Rostand ne fera alors plus jouer de nouvelles pièces.

Il meurt, âgé de 50 ans, le 2 décembre 1918 de la grippe espagnole.

Au cours de sa vie, il est fait commandeur de la Légion d’honneur et est élu à l’Académie française le 4 juin 1903.

On doit à Rostand et à sa villa Arnaga une magnifique démonstration de l’œuvre de l’imagination créatrice ou de « l’hétérotopie », concept forgé par Michel Foucault en 1967 dans une conférence intitulée « Espaces autres ». Ce sont ces espaces concrets qui hébergent l’imaginaire comme une cabane d’enfant ou un théâtre.

Ne pouvons-nous pas nous aider de Rostand, et de son idéalisme en action, pour montrer la nécessité aujourd’hui d’encourager l’utopie pratique et de construire collectivement nos mondes imaginaires…?

« Je ne sais pas très bien ce que c’est que le monde, Mais je chante pour mon vallon, en souhaitant Que dans chaque vallon un coq en fasse autant. Chanter, c’est ma façon de me battre et de croire, Et si de tous les chants mon chant est le plus fier, C’est que je chante clair afin qu’il fasse clair! » (« Chantecler » – Acte II, scène III).

The post Edmond Rostand & La Villa D’Arnaga appeared first on Art of Shift.

Le photolangage est une méthode de coaching visant à exprimer son ressenti, son vécu via l’utilisation d’images, de métaphores.

C’est quoi une métaphore ?

Une métaphore représente une expérience dans les termes d’une autre expérience

Les métaphores sont présentes dans notre quotidien. Elles nous aident à exprimer des concepts, des idées, des sensations (langage conceptuel, langage sensoriel, langage métaphorique).

Elles donnent accès à un espace poétique, un espace créatif qui offre de nouvelles perspectives, de nouvelles compréhensions.

Comment utiliser le photolangage ?

En équipe en ouverture de réunions, dans l’objectif de recueillir le ressenti individuel et collectif.

Voici les étapes illustrées par un exemple.

1. Préparez vos photos: choisissez 20 à 50 images (2x le nombre de personnes a minima) sur un thème particulier. Par exemple, ce photolangage est composé de 35 œuvres d’art et artistes en action.
2. Choisissez un sujet: posez une question à votre équipe. Par exemple, comment avez vécu l’année passée ?
3. Donnez un temps à chacun pour choisir: Quelle image parle de votre année ?
4. Echangez en sous groupes: en trio partagez sur votre ressenti de l’année, en quoi cette image raconte votre vécu ? Cette expression libre permet de nommer les émotions, d’en prendre conscience et de s’en distancier.
5. En équipe complète, assemblez les photos sur un board virtuel ou un paper en salle.
6. Ecoutez les témoignages: 2 options s’offrent à vous.
   • Chacun vient coller sa photo et l’équipe écoute les témoignages individuels inspirés par le visuel. L’avantage est d’être dans une écoute personnalisée.

Par exemple, un membre de l’équipe choisit un escalier en colimaçon et verbalise « cette année m’a parue être un jour sans fin, je ne me suis jamais posé et je fatigue.

• Chacun colle sa photo et vous écoutez ce qui a émergé en sous groupes. L’avantage est d’avoir une vision plus globale et de respecter la confidentialité individuelle.

Par exemple, dans notre sous groupe, le sentiment général est d’avoir été soutenus en équipe, de nous être entraidés au quotidien dans cette situation inédite.

Pour vous procurer des cartes de photolangage, vous pouvez explorer le site ci-joint.

Photolangage®

Bonne écoute des ressentis

The post Photolangage appeared first on Art of Shift.